Maruja Mallo: 1902-1995

MARUJA MALLO
(Vivero, Lugo, 1902 - Madrid, 1995)

1902-1929

El 5 de enero de 1902 nace Ana María Gómez González, cuarta hija de Justo Gómez Mallo, madrileño, y María del Pilar González Lorenzo, gallega.
Debido a la profesión paterna, perteneciente al Cuerpo de Aduanas, la familia se traslada a Gijón, Vigo, Vivero, Tuy, Verín, Madrid y Avilés, donde permanecerán desde 1913 a 1922.
En Avilés, Maruja Mallo comienza a pintar copiando las ilustraciones de las revistas y, dada su capacidad, su padre le busca profesor de dibujo.
En 1922 la familia se traslada a Madrid. Maruja Mallo y su hermano Cristino entran a estudiar Bellas Artes en la Escuela de San Fernando. Pronto se relaciona con los artistas y escritores jóvenes, entablando gran amistad con Concha Méndez, Gregorio Prieto, María Zambrano, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros.
En 1927 muere su madre.
Estancia en las islas Canarias.
El 26 de mayo de 1928 tiene lugarla primera exposición de Maruja Mallo, celebrada en los salones de la Revista de Occidente y objeto de un grandísimo éxito.
Por estos años frecuenta el Lyceum Club Femenino de Madrid y mantiene una relación con Rafael Alberti, hasta que el poeta conoce a María Teresa León.

1930-1936

Comienzaa realizar viñetas para la Revista de Occidente y otras revistas, así como portadas de libros, y se interesapor la escenografía, disciplina para la que obtiene una beca de la Junta para Ampliación de Estudios para estudiar en Paris.
En 1932 consigue una ampliación de la beca de estudios y expone en la Galerie Pierre de Paris. La exposición es visitada por Picasso, André Breton, Vicente Huidrobo, Jean Cassou y Teriade.
En 1933 regresa a Madrid. Su interés por el orden geométrico e interno de la naturaleza se refleja en sus nuevas obras.
Gana la cátedra de dibujo en el Instituto de Arévalo y da clases de dibujo en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica.
Frecuenta a Miguel Hernández y a los pintores Luis Castellanos y Benjamín Palencia y al escultor Alberto Sánchez.
En 1934 vuelve a tratar a Pablo Neruda, a quien ya había conocido en Paris.
Durante 1935 prepara la escenografía y los figurines de la ópera de Rodolfo Halffter Clavileño, que no llegó a estrenarse.

(Foto: Maruja Mallo en su estudio. Madrid, 1936)

En 1936 viaja con las Misiones Pedagógicas por Galicia, donde le sorprende el estallido dela guerra civil. Logra pasar a Portugal y llega a Lisboa, donde su amiga Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Portugal, la aloja y prepara su partida hacia Argentina.

1937 -1961

El 9 de febrero de 1937 Maruja Mallo llega a Buenos Aires. Invitada por la Asociación Amigos del Arte viaja a Montevideo para dar una conferencia, acompañada de proyecciones, sobre el "Proceso histórico de la forma en las arte plásticas", que volverá apronunciar en Buenos Aires unos meses después.

Vuelve a encontrarse con su amigo Alfonso Reyes, embajador de México en Argentina, con quien permanecerá hasta 1938, año en que regresa a México.

El 2 de agostode 1938 se estrena la Cantata en la tumba de Federico García Lorca, de Alfonso Reyes, con música de Jaime Pahissa y escenografía de Maruja Mallo.

En 1939 es invitada a Santiago de Chile a pronunciar un ciclo de conferencias. Viaja a Valparaíso y conoce las playas de Chile.

En 1940 viaja a Montevideo y visita las playas atlánticas de Punta del Este y Punta Ballena.

En 1942 se publica el libro Maruja Mallo, con un texto previo de Ramón Gómez de la Serna y donde se reproducen textos de la autora.

Colabora con la Casa Compte de Buenos Aires realizando decoraciones funcionales, "plástica ornamental" incorporada a textiles, murales, muebles y objetos para edificios y viviendas.

En 1945, durante el mes de febrero, viaja a Chile y se traslada a Viña del Mar buscando inspiración para el encargo de un mural en un cine de Buenos Aires. En compañía de Pablo Neruda visita la Isla de Pascua.

En octubre de 1945 se inaugura el cine Los Ángeles con tres murales que decoran el hall de entrada realizados por Maruja Mallo, como tres paneles o "Armonías plásticas", en los que utilizó como modelos a bailarinas de una compañía de ballet ruso.

El 11 de octubre de 1948 realiza una exposición en la galería Carroll Carstairs de Nueva York.

En el mes de marzo de 1950 expone en la Galerie Silvagni de Paris y, en 1959, en la galería Bonino de Buenos Aires.

En 1961 regresa a España y se instala en Madrid, donde, en el mes de octubre, realiza una exposición en la galería Mediterráneo.

1962-1995

Regresa a Argentina pero vuelve, ya definitivamente, a España, instalándose de nuevo en Madrid.

Retoma el dibujo de viñetas para la Revista de Occidente, es incluída en varias exposiciones sobre la pintura española de la vanguardia y vuelve a ser figura asidua de las tertulias y los acontecimientos culturales del momento.

En 1979 se organiza una exposición antológica de su obra, en la que por primera vez se muestran sus últimos cuadros de la serie Moradores del vacío.

En 1982 recibe la Medalla de Oro de Bellas Artes concedida por el Ministerio de Cultura.

(Maruja Mallo y Andy Warhol. Madrid, 1982)
Cae enferma y es internada en una residencia de Madrid.

En 1990 recibe la Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid y en 1991 la Medalla de Oro de la Xunta de Galicia.

En 1992, con motivo de su 90 cumpleaños, se celebra una exposición anológica en la galería Guillermo de Osma de Madrid, donde se muestran, por primera vez, series de los cuadros pintados en América.

En 1993 tiene lugar una gran exposición antológica en Santiago de Compostela que inaugura el nuevo Centro de Arte Contemporáneo de Galicia. Esta muestra viaja, después, al Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.

En 1995 Maruja Mallo muere a la edad de 93 años. [1]

Notas:

[1]- Biografía extraída del catálogo: Fuera de orden: Mujeres de la Vanguardia Española, pp 191-193.

[2]-Fotografías publicadas en DIEGO, Estrella de, Maruja Mallo, 2008

[3]-Más bibliografía: FERRIS, Jose Luis, Maruja Mallo: la gran transgresora del 27

Más:

-Magia de meigas: Maruja Mallo, J. Marcaraque

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46
Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.

“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)

Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]

Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)

(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]

Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida."

NOTAS:

(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...

Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.

En la Biblioteca de Mujeres Artistas:

CLOAREC, Françoise: Séraphine:La vie rêvée de Séraphine de Senlis

NOTAS:

BRIDGET BATE TICHENOR

Bridget Bate Tichenor, era hija de Sarah Gertrude Arkwright, de origen británico y famosa colaboradora de Coco Chanel, y de Frederick B. Bate, comentarista americano de la NBC en Europa durante la guerra.

Bridget Bate Tichenor vivió sus primeros cinco años en Londres antes de ir a Paris, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos, realizados con el consejo y la enseñanza meticulosa de su padre, que había descubierto prontamente su talento artístico. Posteriormente estudió en la Slade School, de Londres.

Se instala en Roma de 1930 a 1939 y posteriormente se traslada a NuevaYork. Allí ingresa en la Art Students League y estudia bajo la tutela de H. Marsh y de H. Stenberg. También recibe clases de Paul Cadmus, de George Tooker y de Yves Tanguy. Conoce el ambiente de los surrealistas Max Ernst, André Masson, Dalí y Matta, entre otros. Trabaja como editora en Vogue.

En 1940 se casó con Hugh Chisholm, hijo de una conocida familia neoyorquina de origen canadiense, con el que tuvo a su único hijo. En 1945, tras divociarse, se casó con el fotógrafo Jonathan Tichenor.

En 1953, sola, llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que le convencieron para que se quedara allí a pintar. Durante unos años residió en Ciudad de México hasta su traslado a Ario de Rosales -Michoacán- en 1960.
Bridget Bate Tichenor se concentró envarios temas: inicialmente dibujaba y pintaba abstractamente, usando técnicas "automáticas" (1954-1956); luego descubrió sus fantásticos personajes del mundo surrealista. En su trabajo se aprecia su gran vida interior, que refleja su gran aprecio por la naturaleza y muy particularmente por los animales. En la magia radica, también, parte de su inspiración.

En 1954 realiza su primera exposición en la Galería Arte Mexicano, de Inés Amor. Es el principio de su trayectoria como artista profesional; más tarde expuso regularmente con Antonio Souza, su protector y promotor. Su ingreso como artista en los Estados Unidos fué en la Karning Gallery, dirigida por Robert Isaacson (1955).

En 1972 y 1974 expuso en la Galería Pecannins.

En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México.

De 1982 a 1984 se instaló nuevamente en Roma, volviendo frecuentemente a México, y pinta sus series de "Máscaras, Guías espirituales y Deidades duales". Estos personajes fantásticos llenan su mente y la guían en sus momentos difíciles. Su hijo Jeremy fallece en 1982.

Su última exposición, una retrospectiva muy completa, se realizó en febrero de 1990 en el Instituto de Bellas Artes de San Miguel de Allende, donde se radica los últimos años de su vida.

Su pintura es muy cuidada y depurada, en general de pequeño y mediano tamaño.

El 20 de octubre de 1990 falleció en Ciudad de México, dejando una obra de unos 200 cuadros al óleo.

La obra de Bridget Bate Tichenor se encuentra en colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa.

(Artículo de Carlos de Laborde -economista y coleccionista de arte-. Publicado en Intramuros -sf)

Dos retratos de María Felix, pintados por Bridget Bate Tichenor, en colaboración con Antoine Tzapoff, que pintó los rostros de María Felix.

"Si pintaba gente dentro de un huevo no sé si es cierto, pero es probable que me encontrara yomisma en un huevo que no podía romper. Por fín lo rompí y entonces salieron caras de colores; era una salida y gracias a mi vida en México y de su libertad salieron otras imágenes, otros conceptos" -Bridget Tichenor-

MARÍA BLANCHARD (Santander, 1881- Paris, 1932)

   El 6 de marzo de 1881 nació en Santander María Gutiérrez Blanchard, primogénita del matrimonio formado por Enrique Gutiérrez Cueto y Concepción Blanchard Santisteban. María nació con una deformidad, producida por una caída sufrida por su madre durante el embarazo. Su joroba, cojera, enanismo y miopía marcaron su vida convirtiéndola en una persona solitaria, pese a los cuidados y la atención constante con la que sus padres quisieron recompensarle.

   Pronto empezó a mostrar grandes dotes para el dibujo y su padre aceptó que María se trasladara a Madrid para estudiar con el pintor Emilio Sala, en 1902.

   Tras la muerte de su padre, en 1904, la familia se trasladó a Madrid y María continuó sus estudios de pintura con diferentes maestros.

   En 1906 presentó su obra "Gitana" a la Exposición Nacional de Bellas Artes, y en 1908 obtuvo la Tercera Medalla por su obra "Los primeros pasaos".

   En 1909 se trasladó a Paris, donde asistió a la Academia Vitti, con Hermen Anglada Camarasa, que le enseñó a superar el academicismo y usar libremente los colores, y Kees Van Dongen, que le acercó a la estética fauvista, como profesores.

   En 1910 obtuvo la Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por su cuadro "Ninfas encadenando a Sileno".

   En Paris, donde siguió viviendo los años siguientes, María mantuvo estrecha relación con los pintores Diego Rivera, Angelina Beloff y Jacques Lipchitz, con quienes se encontraba de viaje en Mallorca cuando les sorprendió el estallido de la I Guerra Mundial, en 1914.

   Ante la imposibilidad de regresar a Paris, el grupo se traslada a Madrid, donde María comparte estudio con Diego Rivera, en la calle Goya, y se encuentra con los pintores Marie Laurencin, Foujita y el matrimonio formado por Robert y Sonia Delaunay.

   En 1915 Ramón Gómez de la Serna organizó la exposición Pintores Integros, primera muestra de Arte de vanguardia que se celebró en el Salón de Arte Moderno de Madrid, y en la que participaron, entre otros, Diego Rivera y la propia María Blanchard. La exposición fué un fracaso y su obra "Venus de Madrid", hoy en paradero desconocido, causó un gran escándalo.

   Obligada por la precaria situción económica de su familia, María aceptó la cátedra de dibujo en la Escuela Normal de Salamanca, pero las burlas de sus alumnos respecto a su aspecto físico le hicieron abandonar la enseñanza y trasladarse definitivamente a Paris, donde se alojó en casa de su amigo Juan Gris y comenzó a integrarse en un nuevo movimiento artístico: el cubismo.

   En 1918 conoció al galerista Leonce Rosenberg, propietario de "L'Effort Moderne", y a los pintores André Lothe, Francis Picabia y George Braque. Comenzó a exponer y fué bien considerada por la crítica. Participó en exposiciones internacionales y su obra se incluyó las muestras del Salon des Indépendants.

    Pero María Blanchard fué abandonando poco a poco el cubismo e inclinándose hacia la figuración. Perdió el apoyo de Leonce Rosenberg y volvió a sufrir dificultades económicas, hasta que el mecenas belga Frank Flausch le ofreció un contrato mensual que le permitió seguir pintando y exponiendo hasta 1926, cuando su amigo y mecenas murió.

    La muerte de su otro gran amigo, Juan Gris,en 1927, sus problemas de salud agravados por la tuberculosis y el hecho de tener que hacerse cargo de su hermana Carmen y sus sobrinos, que buscaron refugio en su casa, llevaron a María Blanchard a un gran aislamiento y a la búsqueda de consuelo en la religión, llegando a plantearse entrar como novicia en el convento de las Ursulinas de Paris, pero fué disuadida por su confesor.

   Durante sus últimos años, su salud siguió empeorando y sus apuros económicos, teniendo que mantener a su familia, siguieron aumentando, lo que llevó a María Blanchard a caer en un delirio obsesivo, pintando flores de extraños colores.

   María Gutiérrez Blanchard murió a los cincuenta y un años en su estudio de la calle Boulard de Paris, en abril de 1932.

   Poco después Federico García Lorca escribió su "Elegía a María Blanchard", que él mismo leyó en el Ateneo de Madrid.

BIBLIOGRAFÍA:

  

- VVAA, Fuera de Orden: Mujeres de la Vanguardia Española, Fund. Cultural Mapfre Vida, Madrid, 1999. Catálogo de exposición.

- COMBALÍA, Victoria, Amazonas con pincel: vida y obra de las grandes artistas del siglo XVI al siglo XXI.Ed. Destino, Barcelona, 2006, pp 98-102.

- CAFFIN MADAULE, Liliane, Catalogue raisonné des oeuvres de Maria Blanchard, London, Liliane Caffin Madaule, 1992-94. (2 v.)

- Siete pintores españoles de la Escuela de París : María Blanchard, Juan de Echevarría, Juan Gris, Francisco Iturrino, Joan Miró, Pablo Ruiz Picasso, Daniel Vázquez Díaz, Madrid, Caja de Madrid, 1993

  MÁS:

- Federico GARCÍA LORCA, Elegía a María Blanchard

TARSILA do AMARAL (1886-1973)

Tarsila do Amaral nació el 1 de septiembre de 1886 en la hacienda Sao Bernardo, en el municipio de Capivari, en el interior del estado de Sao Paulo. Hija de José Estanislau do Amaral y Lydia Dias de Aguiar do Amaral. Era nieta de José Estanislau do Amaral, conocido como“el millonario” por su inmensa fortuna, que acumuló abriendo haciendas en el interior de Sao Paulo. Su padre heredó una apreciable fortuna y diversas fincas en la que Tarsila pasó su infancia y adolescencia.

Estudió en Sao Paulo en el Colegio Sión y completó sus estudios en Barcelona, en España, donde pintó su primer cuadro, “Sagrado Corazón de Jesús”, a los 16 años (1902). En 1906 se casó con André Teixeira Pinto, con quien tuvo a su única hija, Dulce. Al separarse de él comienza a estudiar escultura en 1916 con Zadig e Mantovani en Sao Paulo. Posteriormente estudia dibujo y pintura con Pedro Alexandrino.

En 1920 embarca de nuevo hacia Europa, donde estudia en el taller de Émile Renard (1850-1930). En 1922 una tela suya es admitida en el Salón Oficial de Artistas Franceses. En ese mismo año regresa a Brasil y se integra con los intelectuales del grupo modernista. Forma parte del “grupo de los cinco” juntamente con Anita Malfatti, Oswaldo de Andrade, Mário de Andrade y Menotti del Picchia. En esa época comienza su relación con el escritor Oswaldo de Andrade.

De regreso a Europa en 1923 tiene contacto con los modernistas que se encontraban allí: intelectuales, pintores, músicos y poetas. Estudia con André Lothe (1885-1962), Albert Gleizes (1881-1953) y Fernand Léger (1881-1955), grandes maestros cubistas, y mantiene estrecha amistad con Blaise Cendrars, el poeta vanguardista franco-suizo.

Ese año -1923- escribe en una carta a su familia:

"Me siento incluso más brasileña. Voy a ser una pintora de mi pais. ¡Qué agradecida estoy por haber pasado toda mi infancia en la granja! Los recuerdos de esos tiempos han llegado a ser muy queridos para mí. Quiero, en arte, ser la niñita de campo se Sao Bernardo, que juega con muñecas de paja, como en el último cuadro en que estoy trabajando... no penseis que esta tendencia se considera aquí negativamente. Por el contrario. Lo que aquí quieren es que cada uno traiga la contribución de su propio pais. Esto explica el éxito de los ballets rusos, las artes gráficas japonesas y la música negra. París ya ha tenido demasiado arte parisiense"

Acompañada por Andrade y Cendrars, regresa a Brasil, donde el trío comenzó a explorar la cultura popular de Brasil. En Semana Santa hicieron un viaje a las ciudades históricas de Minas Gerais, con sus casas rústicas y sus iglesias barrocas del s.XVIII. Tarsila escribió:

"En Minas encontré los colores que había adorado de niña. Más tarde me enseñaron que esos colores eran feos y sencillos"

En 1926 expone en Paris, con gran éxito y ese mismo año se casa con Oswaldo de Andrade. En 1928 comienza su periodo más creativo: pinta “Abaporu -hombre que come-” como regalo de aniversario a Oswaldo que se sorprende con la tela y crea el Movimento Antropofágico, cuyo principio central era que los artistas brasileños debían devorar influencias extranjeras, digerirlas cuidadosamente y convertirlas en algo nuevo.

En 1929 expone individualmente por primera vez en Brasil y su pintura comienza a evolucionar hacia un realismo social. Se separa de Oswaldo en 1930.

En 1933 pinta el cuadro “Operarios” . El año siguiente participa en I Salón Paulista de Bellas Artes. Comienza a vivir con el escritor Luis Martins durante casi veinte años, desde mediados los años 30 hasta mediados los años 50. De 1936 a 1952, trabaja como columnista en los Diarios Asociados.

En los años 50 vuelve al tema “pau brasil"-pobre Brasil-. Participa en 1951 en la I Bienal de Sao Paulo. En 1963 le dedican una sala especial en la VII Bienal de Sao Paulo y el año siguiente tiene una participación especial en la XXXII Bienal de Venecia.

Tarsila do Amaral falleció en Sao Paulo el día 17 de enero de 1973.

BIBLIOGRAFÍA:

-LUCIE-SMITH, Edward, "Arte latinoamericano del siglo XX". Ed. Destino, Barcelona,1994.

-MARTÍNEZ DÍEZ, Noemí, "Arte y artistas latinoamericanas", en L.F. CAO, Marian (Coord.), "Creación artística y mujeres: recuperar la memoria". Narcea, Madrid, 2000.

-AMARAL, Aracy, "Tarsila", en "Tarsila, Frida y Amelia", Fund. La Caixa, Barcelona,1997. Cat. expo.

EXPOSICIONES:
-"Tarsila, Frida, Amelia". Barcelona. Fundación la Caixa, 1997.
-"Tarsila do Amaral". Madrid. Fundación Juan March. 2009. -Del 6 de febrero al 3 de mayo-

MÁS:
- "Manifiesto antropofágico" (extracto). Oswald de Andrade.

BIOGRAFÍAS / CRONOLOGÍAS

	A
Katia ACÍN (1923-2004)
Tarsila do AMARAL (1886-1973)
	B
Bridget BATE TICHENOR
Angelina BELOFF (1879-1969)
María BLANCHARD (María Gutiérrez Blanchard)(1881-1932)
Rose BONHEUR (1822-1899)
Louise BRESLAU
	C
Claude CAHUN
	D
Hermine DAVID (1886-1970)
	G
Meraud GUEVARA (1904-1993)
Natalia GONCHAROVA (1881-1962)
Agnes GOODSIR (1864-1939)
	I
María IZQUIERDO (1902-1955)
	K
Anna Elisabeth KLUMPKE (1856-1942)
	L
Tamara de LEMPICKA
Jessie LIPSCOMB (1861-1952)
	M
Maruja MALLO (1902-1995)
MAREVNA (Marie Vorobieff-Stebelska) (1892-1984)
Ana MENDIETA (1948-1985)
Gabriele MÜNTER
	O
Chana ORLOFF (1888-1968)
	S
Ethel SANDS
SÉRAPHINE Louis (Séraphine de Senlis)
	T
TOYEN (Maria Cerminova)
	V
Suzanne VALADON
Marie VASSILIEF (1884-1957)
Remedios VARO (Documental. Vídeo) Remedios Varo:Los años de formación Remedios Varo:Contacto con las vanguardias (1932-1937) Remedios Varo:Surrealista en Paris (1937-1941) Remedios Varo:8 de diciembre de 1963

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Remedios Varo: 8 de octubre de 1963.

"Te voy a contar cómo fué el último tramo de la vida de Remedios: pensaba irse de vacaciones el día 22 de octubre con Eva Sulzer. Estaba muy cansada e irascible, había dejado de pintar y se dedicaba a coser vestidos y pantalones para el viaje. El ocho de octubre amaneció soleado, era el único día de sol después de una serie de días grises que pesaban sobre el ánimo de Remedios. Al mediodía traje a casa a nuestro amigo el ingeniero Roger Díaz de Cosío que acababa de comprar Los Amantes, un gouache hermosísimo. (...). Remedios se sentía incomoda al saber que el ingeniero Roger Díaz de Cosío había pagado 8.500 pesos, unos 650 dólares por el cuadro. Lo compró para regalárselo a su señora, esto la emocionó. Le quería devolver por lo menos la comisión de la galería. Con motivo de la visita de este señor, bebió un poco de coñac, quizás fué esto lo que le sentó mal, ella no tenía costumbre de beber. Se acostó a dormir la siesta como todas las tardes y después ocurrió todo..."

La pintora Remedios Varo murió el 8 de octubre de 1963, víctima de una crisis cardíaca.

Declaraciones de Walter Gruen en conversación con Beatriz Varo Jiménez, recogidas por ésta en su libro "Remedios Varo: en el centro del microcosmos", pág.104

Remedios Varo: Surrealista en París (1937-1941)

REMEDIOS VARO: SURREALISTA EN PARIS

1937-1941

Cuando en 1937 Remedios Varo llega a París se integra de pleno en los círculos surrealistas, como mujer de Benjamín Péret - en la foto, con Remedios Varo-.
La libertad que pudo disfrutar a partir de entonces revitalizó su creatividad. Remedios Varo practicaba habitualmente los juegos surrealistas “el juego de la verdad” y “el cadáver exquisito”, participó en diversas exposiciones colectivas, como la Exposición Internacional del Surrealismo, de 1938, y acudía regularmente a las tertulias en los cafés y al estudio de Oscar Domínguez, gran amigo desde su época de Barcelona-.
Tras el estallido de la I Guerra Mundial los surrealistas se dispersaron. Benjamín Péret fue encarcelado por sus actividades revolucionarias y Remedios Varo permaneció en París, alojada en casa de Geo Dupin –hermana de Alice Rahon- y posteriormente en Canet sur Plage, cerca de Perpignan, y en Marsella, a la espera de abandonar Francia rumbo a Casablanca (Marruecos), donde finalmente, en 1941, con la ayuda del Comité para Rescates de Emergencia, tomaron el barco que leS llevó a México, donde serían acogidos por la inmensa comunidad de artistas exiliados en ese país.

Remedios Varo: Contacto con las vanguardias (1932-1937)

CONTACTO CON LAS VANGUARDIAS

(Texto: M.G.Bravo)

1932-1937
Las “extravagancias pictóricas” que no se aceptaban en la escuela de Bellas Artes tampoco eran bien vistas en el resto del panorama artístico español.
Pese a los continuos cambios de poder y de régimen, los diferentes gobiernos seguían apoyando un arte caduco que no quería abrirse a las nuevas tendencias. Las exposiciones y certámenes oficiales seguían estando en manos de artistas de reconocido prestigio que seguían presentando sus obras con la misma temática de siempre: escenas costumbristas, bodegones, paisajes…
Barcelona, donde Remedios Varo se había trasladado tras su matrimonio, no era una excepción y seguía anclada en el “noucentismo”.
Para protegerse de esta situación, los artistas comenzaron a agruparse y a celebrar exposiciones en salas independientes. En 1932, Remedios Varo comenzó a frecuentar el grupo ADLAN (Amics de l’Art Nou), que organizó la Exposición Logicofobista en lo bajos de la Librería Catalonia, entre el 4 y el 15 de mayo de 1936.

El ideario del grupo partía del horror a la lógica y la razón y defendía la plasmación del mundo metafísico, del lado interno y espiritual del hombre.
Cuando estalló la Guerra Civil Española en 1936, Remedios Varo estaba perfectamente integrada en estos círculos de vanguardia. Compartía estudio con Esteban Francés y había conoció al poeta surrealista Benjamín Pèret, con quien había comenzado una relación y con quien se marchó a Paris en 1937. Nunca volvió a España.

Fotos: Manuel Viola, Remedios Varo y Esteban Francés, en Barcelona./Pasaporte de Remedios Varo

Remedios Varo: Los años de formación

REMEDIOS VARO: LOS AÑOS DE FORMACIÓN

(Texto: M.G.Bravo)

1908-1913

María de los Remedios Varo Uranga nació el 16 de diciembre de 1908 en Anglés (Gerona), hija de la que podría parecer una extravagante o, al menos, contradictoria unión: la de Rodrigo Varo y Zejalvo, un ingeniero hidráulico andaluz, agnóstico y librepensador con Ignacia Uranga Bergareche, nacida en Argentina de origen vasco y que era una mujer de carácter pesimista, muy conservadora y fervientemente católica.
Cuando Remedios nació reinaba la tristeza en el ambiente familiar tras la muerte de dos de los tres hijos del matrimonio.

En 1913 la profesión paterna obligó a la familia a trasladarse a Algeciras, donde nació un nuevo hijo, Luis, y a Larache, en Marruecos.


Fotos: La familia Varo en Figueras, 1913 / La familia Varo en Madrid, 1918

La formación que tuvo en el seno familiar fue importante para saciar su curiosidad sin límites. Su padre, aficionado a la mineralogía y la botánica, inculcó en Remedios la observación atenta de las pequeñas maravillas de la naturaleza. Asombraba a su hija escribiendo y leyendo en esperanto, idioma que dominaba y, para mantener entretenida a la niña, que ya daba muestras de su talento para el dibujo y la pintura, la sentaba a su lado y le hacía copiar diseños de aparatos mecánicos y los planos de sus proyectos hidráulicos, acostumbrándole a no dejar las cosas inacabadas, además de enseñarle los rudimentos de la perspectiva lineal y del manejo del tiralíneas y del compás y exigiéndole pulcritud extrema en sus trabajos.

Josefa Zejalvo, la abuela paterna, vivía con ellos y enseñaba a Remedios a coser y bordar. Pero la madre consideraba que su hija no estaba recibiendo la formación apropiada para una niña de buena familia y decidió que ingresara en un colegio religioso.

1917-1924

En 1917 la familia se instala en Madrid (C/ Segovia 44, cerca de la Casa de Campo. Más tarde vivirían en la c/Manuel Cortina 6) y Remedios se matricula en el Instituto de San Isidro, cerca de su casa, donde estudia el bachillerato, algo poco común en la educación de las jóvenes de su época.
La formación artística de Remedios Varo comenzó en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, donde estudió dos años, antes de ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en 1924.

1924-1933

La Escuela de Bellas Artes de San Fernando no permitía lo que se consideraba “extravagancias pictóricas” y contaba con un muy reducido número de mujeres matriculadas.
Uno de los profesores, José Garnelo, solía suspender sistemáticamente a todas las alumnas en el primer curso. Decía que lo hacía por su bien, ya que aquél no era lugar para las mujeres y de esta forma eliminaba a las que no pensaban dedicarse a la pintura, quedándose sólo las que tenían verdadera vocación.
Remedios Varo sobrevivió a la misoginia del profesor Garnelo y continuó la carrera de Bellas Artes, que finalizó en 1929. En ese periodo conoció, entre otros, a Maruja Mallo y Delhy Tejero, a Salvador Dalí , a Esteban Francés, y a Gerardo Lizarra, con quien se casaría más tarde.
Con el fin de ampliar sus estudios, Remedios Varo viajó a Paris, donde también se encontraban algunos de sus antiguos compañeros y se matriculó en la escuela de artes La Grande Chaumière.
En 1930 Remedios Varo se casó con Gerardo Lizarra, en San Sebastián, y la pareja regresó a París hasta 1932, fecha en la que Gerardo aceptó un trabajo en una agencia de publicidad en Barcelona.
En diciembre de 1933 muere su padre y, un mes más tarde, su abuela. La ayuda económica que recibía de su familia desapareció con ellos y a partir de entonces se dedica a hacer trabajos publicitarios, con los que subsistiría hasta que su obra comenzó a tener éxito a principios de los años cincuenta.

Bibliografía: Biblioteca de Mujeres Artistas