Remedios Varo. La aventura del saber

El programa de televisión "La aventura del saber" emitió el pasado 31 de marzo de 2009 un programa dedicado a la pintora española Remedios Varo.
Tras los comentarios de la escritora Julia Navarro -y algunas cuestiones sobre la ONU y la pena de muerte que quitaré del vídeo cuando pueda - un documental recorre la biografía y la obra de Remedios Varo. Con aportaciones de su sobrina, BeatrizVaro, de Marina Nuñez y de Juan Manuel Bonet.

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46
Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.

“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)

Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]

Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)

(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]

Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida."

NOTAS:

(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...

Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.

En la Biblioteca de Mujeres Artistas:

CLOAREC, Françoise: Séraphine:La vie rêvée de Séraphine de Senlis

NOTAS:

BRIDGET BATE TICHENOR

Bridget Bate Tichenor, era hija de Sarah Gertrude Arkwright, de origen británico y famosa colaboradora de Coco Chanel, y de Frederick B. Bate, comentarista americano de la NBC en Europa durante la guerra.

Bridget Bate Tichenor vivió sus primeros cinco años en Londres antes de ir a Paris, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos, realizados con el consejo y la enseñanza meticulosa de su padre, que había descubierto prontamente su talento artístico. Posteriormente estudió en la Slade School, de Londres.

Se instala en Roma de 1930 a 1939 y posteriormente se traslada a NuevaYork. Allí ingresa en la Art Students League y estudia bajo la tutela de H. Marsh y de H. Stenberg. También recibe clases de Paul Cadmus, de George Tooker y de Yves Tanguy. Conoce el ambiente de los surrealistas Max Ernst, André Masson, Dalí y Matta, entre otros. Trabaja como editora en Vogue.

En 1940 se casó con Hugh Chisholm, hijo de una conocida familia neoyorquina de origen canadiense, con el que tuvo a su único hijo. En 1945, tras divociarse, se casó con el fotógrafo Jonathan Tichenor.

En 1953, sola, llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que le convencieron para que se quedara allí a pintar. Durante unos años residió en Ciudad de México hasta su traslado a Ario de Rosales -Michoacán- en 1960.
Bridget Bate Tichenor se concentró envarios temas: inicialmente dibujaba y pintaba abstractamente, usando técnicas "automáticas" (1954-1956); luego descubrió sus fantásticos personajes del mundo surrealista. En su trabajo se aprecia su gran vida interior, que refleja su gran aprecio por la naturaleza y muy particularmente por los animales. En la magia radica, también, parte de su inspiración.

En 1954 realiza su primera exposición en la Galería Arte Mexicano, de Inés Amor. Es el principio de su trayectoria como artista profesional; más tarde expuso regularmente con Antonio Souza, su protector y promotor. Su ingreso como artista en los Estados Unidos fué en la Karning Gallery, dirigida por Robert Isaacson (1955).

En 1972 y 1974 expuso en la Galería Pecannins.

En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México.

De 1982 a 1984 se instaló nuevamente en Roma, volviendo frecuentemente a México, y pinta sus series de "Máscaras, Guías espirituales y Deidades duales". Estos personajes fantásticos llenan su mente y la guían en sus momentos difíciles. Su hijo Jeremy fallece en 1982.

Su última exposición, una retrospectiva muy completa, se realizó en febrero de 1990 en el Instituto de Bellas Artes de San Miguel de Allende, donde se radica los últimos años de su vida.

Su pintura es muy cuidada y depurada, en general de pequeño y mediano tamaño.

El 20 de octubre de 1990 falleció en Ciudad de México, dejando una obra de unos 200 cuadros al óleo.

La obra de Bridget Bate Tichenor se encuentra en colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa.

(Artículo de Carlos de Laborde -economista y coleccionista de arte-. Publicado en Intramuros -sf)

Dos retratos de María Felix, pintados por Bridget Bate Tichenor, en colaboración con Antoine Tzapoff, que pintó los rostros de María Felix.

"Si pintaba gente dentro de un huevo no sé si es cierto, pero es probable que me encontrara yomisma en un huevo que no podía romper. Por fín lo rompí y entonces salieron caras de colores; era una salida y gracias a mi vida en México y de su libertad salieron otras imágenes, otros conceptos" -Bridget Tichenor-

BIOGRAFÍAS / CRONOLOGÍAS

	A
Katia ACÍN (1923-2004)
Tarsila do AMARAL (1886-1973)
	B
Bridget BATE TICHENOR
Angelina BELOFF (1879-1969)
María BLANCHARD (María Gutiérrez Blanchard)(1881-1932)
Rose BONHEUR (1822-1899)
Louise BRESLAU
	C
Claude CAHUN
	D
Hermine DAVID (1886-1970)
	G
Meraud GUEVARA (1904-1993)
Natalia GONCHAROVA (1881-1962)
Agnes GOODSIR (1864-1939)
	I
María IZQUIERDO (1902-1955)
	K
Anna Elisabeth KLUMPKE (1856-1942)
	L
Tamara de LEMPICKA
Jessie LIPSCOMB (1861-1952)
	M
Maruja MALLO (1902-1995)
MAREVNA (Marie Vorobieff-Stebelska) (1892-1984)
Ana MENDIETA (1948-1985)
Gabriele MÜNTER
	O
Chana ORLOFF (1888-1968)
	S
Ethel SANDS
SÉRAPHINE Louis (Séraphine de Senlis)
	T
TOYEN (Maria Cerminova)
	V
Suzanne VALADON
Marie VASSILIEF (1884-1957)
Remedios VARO (Documental. Vídeo) Remedios Varo:Los años de formación Remedios Varo:Contacto con las vanguardias (1932-1937) Remedios Varo:Surrealista en Paris (1937-1941) Remedios Varo:8 de diciembre de 1963

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Louise Breslau (1856-1927)

Louise C. Breslau: Autorretrato

Marie Louise-Catherina Breslau nació en Munich el 6 de diciembre de 1856 en el seno de una próspera familia burguesa. Creció en Zúrich, donde su padre, médico, aceptó el puesto de jefe del servicio de ginecología en la universidad. La repentina muerte de su progenitor a causa de una infección en 1866, cuando Louise Breslau tenía tan sólo siete años, le llevó a decidirse años después por una vida profesional. Con 20 años se trasladó a París a estudiar en la Académie Julian, donde fue alumna, entre 1878 y 1881, del pintor Tony Robert-Fleury. Visitó Inglaterra y después viajó por Europa a Italia, Alemania y Holanda.
(Retrato de Mlle. M. Zillhardt. Louise Breslau)

Hacia 1886 estableció su residencia en Neuilly-sur-Seine junto a Madeleine Zillhardt, amiga y compañera de estudios con quien vivió durante 40 años, hasta su muerte. Participó en todos los salones de París celebrados entre 1879 y 1889, y en sus catálogos siempre tuvo un agradecido recuerdo a todo lo aprendido junto a Robert-Fleury. Como las de su maestro, sus obras de estos años eran escenas de género y retratos, entre los que destacan el del escritor Michael Georg Conrad (1882, Historisches Museum, Baden), del escultor Jean Carriés (Musée du Petit Palais, París] o del.pintor suizo Ernst Josephson (Castle Museum, Grispsholm). Su obra mereció la atención de Jean-Louis Forain, Henri Fantin-Latour y, sobre todo, de Edgar Degas, que expresó en numerosas ocasiones su admiración por la obra de la artista.
En 1889 fue una de los fundadores de la Société Nationale des Beaux-Arts, donde expuso regularmente hasta su fallecimiento. A partir de 1895 se especializó en retratos de niños y muchachas jóvenes, que desde 1900 le darían celebridad. Otro de tos temas por los que su obra fue reconocida fueron las pinturas de flores, que llevaron a Robert de Montesquiou a decir en 1904: "…; la señorita Breslau, delicada pintora de retratos, pinta las flores como a las mujeres". Sus contemporáneos se referían a ella como pintora intimista por la temática de su obra, su luminosa paleta y la penetración psicológica que evidenciaban sus retratos.
Alcanzó el éxito social y público hacia 1900: fue galardonada con las medallas de oro de las exposiciones celebradas en París en 1889 y 1900; en 1901 le fue otorgado el título de Caballero de la Légion de Honor. Ese mismo año celebró su primera exposición en solitario, en la Künstlerhaus de Zúrich. Años después, en 1910 y 1926, la prestigiosa Galerie Durand-Ruel de París le organizó sendas exposiciones individuales. Adquirieron sus obras numerosos museos suizos y franceses, como el Musée d'Art et d'Histoire de Ginebra, el Kunstmuseum de Berna y el Louvre de París.
Durante los años de la Primera Guerra Mundial abandonó los retratos de niños y mujeres, y se dedicó fundamentalmente a retratar a oficiales del ejército. Por otro lado, su tradicional enfoque de la pintura se resintió con la aparición de las nuevas tendencias vanguardistas, lo que la apartó de su activa vida artística anterior a la guerra.
Pasó sus últimos años inválida en Neuilly, donde murió el 12 de mayo de 1927 a consecuencia de las secuelas de una operación,.
Madeleine Zillhardt, heredera de Louise Breslau, se dedicó desde entonces a velar por su obra.
En 1928 L'école des Beaux-Arts de Paris reunió 195 obras de la artista en una exposición conmemorativa.
En 1930 Madeleine Zillhardt donó una treintena de cuadros al museo de Beaux-arts de Dijon y en 1932 escribió « Louise Breslau et ses amis ».
Pero como ha sido habitual en lo referente a la obra de tantas mujeres artistas, pese a haber conocido el éxito, sus cuadros cayeron en el olvido y no salieron de la sombra hasta el año 2006, cuando fueron expuestos en Dijon –del 18 de noviembre al 27 de febrero- en una muestra titulada « En la intimidad del retrato » -Dans l'intimité du portrait-.

ANA MENDIETA (1948-1985)

Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba, en el año 1948.

En 1961, Ana y su hermana mayor llegaron a Estados Unidos, sin sus padres, como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo por ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro.

En Estados Unidos, Ana Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres durante muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa marcó la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.

Ana Mendieta tuvo una carrera artística corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa que consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas.

A comienzos de los años 70' asistió a la Universidad de Iowa como estudiante de arte. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su ingreso en el Intermedia Program and Center for New Performing Arts y comenzó a utilizar su cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”). Durante su carrera, Ana Mendieta contribuyó al desarrollo de esta tendencia artística.
La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada y como mujer.
Como artista, Ana Mendieta se atrevió a expresarse de maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentada en video, Ana Mendieta metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pintura roja y arrastró las manos en una pared.

Su fascinación con la sangre marcó alguna de sus obras principales. Percibió la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.
Otro elemento significante de la obra de Ana Mendieta es la manera en que incorporó su cuerpo en la naturaleza (land art o earthworks). En varias obras aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra, invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, afro-cubanos, mesoamericanos y de antiguas culturas de Asia y Europa.

En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Ana Mendieta creó más de cien obras en las que su cuerpo formaba parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, y usar elementos naturales como piedras o velas.
La obra de Ana Mendieta es impresionante. Durante su breve carrera logró dejar un impacto en el mundo artístico.

En 1985, con treinta y seis años, Ana Mendieta murió al caer desde la ventana de su apartamento del piso 34, en Roma. Su pareja, el escultor Carl André fué sospechoso y juzgado por haberle empujado. Pero las pruebas no fueron concluyentes y el juicio por su muerte concluyó en suicidio.

Más:

Corazones Lastimados: "¿Donde está Ana Mendieta?

BIBLIOGRAFÍA:

María Ruido, Ana Mendieta, ed.Nerea 2002

ETHEL SANDS: Té con Sickert

ETHEL SANDS

Ethel Sands nació el 6 de julio de 1873 en America (Newport, Rhode Island, U.S.A), pero creció en Gran Bretaña y estudió en Paris con Eugène Carrière entre 1896–1900.

De familia adinerada, poseía casas en Chelsea, en Newington, cerca de Oxford y en Auppegard, en Normandia, donde fue pintado el cuadro Tea with Walter Richard Sickert . Vivió e Garsington entre 1900-1920, luego se instaló en Londres y se nacionalizó británica.

Expuso en el Salon d'Automne desde 1903; Su primera exposición en Londres (con Anna Hope Hudson, Nan-1869-1957) tuvo lugar en la Carfax Gallery, en 1912; en 1922 expuso individualmente en la Goupil Gallery, con gran proyección y que fué ampliamente recogida en los principales periódicos. Fué miembro fundador del London Group, en 1913, y expuso regularmente con la Allied Artists Association.

Murió en Londres, el 19 de marzo de 1962.

Tea with Sickert

ca 1911-2

Ethel Sands

El título original del cuadro que actualmente se conoce como "Tea with Sickert"-Té con Sickert- era "A Tea Table" -Una mesa de té- y con este título fué expuesto en 1912, en la Galería Carfax. En 1988 fué retitulado para incluir el nombre del famoso pintor y hacerlo más vendible en una subasta de Christie's.

El pintor Walter Sickert (1860-1942) y Ethel Sands se conocieron en 1906, cuando él mostró su admiración por una pintura que ella había enviado al Salon de Otoño de Paris y que quería adquirir. El año siguiente Sickert le invitó a unirse al recientemente creado Fitzroy Street Group, que deseaba promover una forma de Impresionismo naturalista en Gran Bretaña.
Entre 1906 y 1914 Sands se convirtió en una importante mecenas literaria y artística, y su casa en uno de los centros del arte moderno en Londres.
La obra artística de Ethel Sands muestra una mezcla de influencias anglo-francesas, comparable a la de su amigo Jacques-Emile Blanche (1861-1942), aunque el tratamiento impresionista del color y el tema intimista de Tea with Walter Richard Sickert también es comparable a las pinturas de Edouard Vuillard (1868-1940).
El retrato de Sickert es interesante ya que le muestra durante el periodo del Camden Town Group -del que tanto Ethel Sands como otras mujeres estaban excluídas- y refleja su relación con Sands y la pareja de ésta, la pintora Nan Hudson (1869-1957). A pesar de que el nuevo título identifica a la figura masculina con el pintor Sickert, que aparece sentado relajadamente, fumando, en un sillón, en la parte más alejada de la escena, la figura que domina en la escena es la mujer que aparece en primer plano, de espaldas, y que podría ser Nan Hudson. El servicio de té, sobre la mesa, está preparado para tres personas, con la tapa de la tetera abierta, lo que nos hace suponer que Ethel Sands ha dejado su lugar para pintar la escena.

El cuadro pertenece a la TATE Collection (Londres).

Walter Sickert retrató a Ethel Sands en un cuadro titulado "Ethel Sands bajando la escalera de Newington"
Bibliografía:
Wendy Baron, Miss Ethel Sands and her Circle, London, 1977, pp.93, 95-6

Ethel Sands: Flowers in a jug (ca.1920')

Otros artículos relacionados:-Walter Sickert: Amor a la miseria. Realquilado en la casa de Jack el destripador
-TATE Women Artists (BIBLIOTECA de Mujeres Artistas)-¿SICKERT el Destripador? (Una estantería anexa)

Agnes Goodsir: 1864-1939

Agnes Goodsir, pintora australiana, nació en 1864 en el seno de una adinerada familia de Portland, Victoria.
Su formación artística comenzó en Australia, en la Bendigo School of Mines, y pronto supo que deseaba continuar su formación en Paris.

Allí ingresó inicialmente en la Academia Delécluse y luego en la Academia Julian y en la Colarossi. Vivió en Paris hasta 1912, cuando comenzó a alternar sus estancias en Londres y Paris. Su trabajo fué bien recibido y expuso en Paris, en el Salon des Indépendants y en la Société Nationale des Beaux Arts, y en la Royal Academy y el Royal Institute de Londres.
El trabajo de Goodsir está fuertemente marcado por la composición y el dibujo, y aunque realizó numerosos paisajes urbanos de Paris, a la acuarela, su medio preferido era la pintura al óleo. Y, aunque pintó gran número de naturalezas muertas y escenas de interior, el género en el que destacó fue el retrato. A lo largo de su carrera posaron para ella importantes personalidades, como Leo Tolstoy y Bertrand Russell, entre otros y otras.
A pesar de admirar el arte de muchos artistas modernistas y estar rodeada por las innovaciones de las vanguardias, su trabajo muestra una tendencia estilística bastante conservadora.
Y sin embargo, los estudios de la figura humana y sus retratos de mujeres – particularmente sus representaciones arquetípicas de mujeres independientes en Paris- muestran cierto cariz erótico y radical. En sus estudios de esas mujeres, sofisticadas y bien vestidas, a menudo acentúa ciertas cualidades andróginas como, por ejemplo, en "Type of the Latin Quarter" (ca 1926). En "Miss G. in Pyjamas" (ca 1924), Goodsir utiliza la vestimenta masculina para producir la sensación de un íntimo “a la mañana siguiente” en el retrato de una mujer que bien podría pertenecer a la escena lesbiana del Paris que Agnes Goodsir conoció, a pesar de que siempre vivió su lesbianismo de manera discreta.

Goodsir fué una de los escasos australianos seleccionados para exponer en el Salon Nationale des Beaux Arts; y en 1924 ganó una medalla de plata por el cuadro "The Red Cloak".
A los 63 años regresó a Australia, donde expuso en las Macquarie Galleries, de Sydney, y en la Fine Arts Gallery de Melbourne. En los nueve meses que permaneció allí recibió numerosos encargos para realizar retratos, entre ellos el del escritor Banjo Patterson. No es sorprendente que, a excepción de breves periodos, Agnes Goodsir no volviera a la conservadora y provinciana Australia, que no tenía el clima de tolerancia hacia las diversas preferencias sexuales que se podía encontrar en ciudades como Paris.
Tras la muerte de Agnes Goodsir en 1939, Rachel Dunn –Cherry-(a la izda. retratada por Agnes Goodsir), que había sido su principal modelo y pareja, procuró que sus obras regresaran a Australia. En una carta dirigida a la sobrina de Agnes, escibió: “Estoy muy triste. Agnes lo era todo para mí, estoy sola y no sé qué sera de mi en el futuro, pero las pinturas que me dejó deberían estar en Australia y en colecciones de Australia. Te las voy a enviar pero necesito saber que las cuidarás y harás algo con ellas”. Las obras de Agnes Goodsir llegaron a formar parte de galerías y colecciones australianas como Dunn había deseado, pero muchas de ellas se perdieron. Rachel Dunn siguió viviendo en el apartamento que había compartido con Agnes Goodsir, en la Rue de l’Odeon, hasta su muerte, en 1960.Su obra fue redescubierta con motivo de la celebración de la exposición “In a Picture Land over the Sea: Agnes Goodsir, 1864-1939”, comisariada por Karen Quinlan, en la Bendigo Art Gallery. En 2007, otra exposición titulada “The long weekend”, mostraba la obra realizada por la comunidad de artistas australianos que se instaló en Paris en el periodo de entreguerras.

Bibliografía:
Burke, Janine. Australian Women Artists, 1840-1940. Collingwood, Victoria: Greenhouse Publications, 1980.
Kerr, Joan, ed. Heritage: The National Women's Art Book. Sydney: Craftsman House, 1995.
Quinlan, Karen. In a Picture Land over the Sea: Agnes Goodsir, 1864-1939. Catalogue from Bendigo Regional Gallery, 1997

Hermine David (1886-1970)

"Era una francesa de ojos muy separados, a veces algo estrábicos, con un rostro delgado y empolvado en el que destacaba, de un modo notable incluso para los gustos del momento de París, una extraordinaria boca de labios rojo geranio. Estaba íntimamente relacionada con uno de los pilares del grupo del Dôme y, al igual que su compañero(1), siempre estaba dibujando o pintando acuarelas en el café. Sus cuadros eran encantadores, algo ingenuos pero ingeniosos. También hacía miniaturas, unas cosas extraordinariamente pequeñas que se podían engastar en joyas. Era callada y jamás protestaba si nos pasábamos toda la noche hablando alemán lengua de la que ella no entendía nada" (Ahhlers-Hestermann)(2).


Hermine-Lionette Cartan nació en Paris, en 1886. Siendo niña sufrió un accidente doméstico con la ballena de un corsé que casi costó a Hermine el ojo derecho.

Tras recibir clases particulares de pintura en miniatura, dibujo y grabado, fué aceptada en la Escuela de Bellas Artes, que aceptaba mujeres desde sólo hacía dos años. Pero a los pocos meses optó por abandonar los estudios oficiales y acudir a la Académie Julian, que ofrecía un ambiente más libre.

En 1907 conoció al pintor búlgaro Jules Pascin que, llegado a París en 1905, se había convertido en el alma del grupo de artistas que se reunía en el Dôme.

Las mujeres no eran en general demasiado bien recibidas en este círculo: "...sólo unos pocos camaradas traían al café a sus esposas y novias del momento, e incluso en estos casos tampoco éramos demasiado educados con ellas... El pequeño grupo de asiduas que pasaban por el café eran en su mayoría modelos."(2)

Durante la guerra, Hermine y Pascin se refugiaron en EEUU, donde se casaron el 25 de septiembrede 1918. En 1920 regresaron a París y se instalaron en un estudio en Villa des Arts, un conjunto de viviendas de Montmartre. Al poco de llegar, se reencontraron con algunas antiguas amistades, y en especial con Lucy Krogh, de quien Pascin se enamoró. Hermine pasó a alojarse en el Hôtel d'Odessa de Montparnasse y nunca volvieron a vivir juntos, si bien su relación continuó hasta la muerte de Pascin, que se suicidó en 1930.

En 1932, Hermine David recibió la medalla de la Legión de Honor, y siguió trabajando en la pintura, grabado e ilustración de libros.

Murió en 1970, en Bry-sur-Marne (Francia).

Hermine David en su mesa de trabajo

Hermine David ocupada en una miniatura. Dibujo de J.Pascin.

Hermione David. Dibujo de J. Pascin
Jules Pascin en una pose íntima y relajada. Dibujo de Hermine David

(1) Jules Pascin; (2) Ahhlers-Hestermann, miembro del grupo de artistas alemanes, escandinavos y de los Balcanes que llegaron a París y se reunían en el Dôme, café de Montparnasse.

Enlaces externos: Obra y catálogo de Hermine David

Leonora Carrington: cronología

Leonora Carrington nació el seis de abril de 1917 en Clayton Green, cerca de Chorley, en el condado de Lancashire, Inglaterra. Su madre era irlandesa y su padre inglés, magnate de la industria textil.
1920- La familia se muda a Crookhey Hall, cerca de Lancaster, y Leonora y sus tres hermanos quedan bajo los cuidados de una institutriz francesa, un instructor de religión, y una nana irlandesa, Nanny, que alentó su ardiente imaginación con historias de crímenes terribles y cuentos de lo sobrenatural de origen irlandés y alemán.

Crookhey Hall

1926- Leonora asiste sucesivamente a dos colegios católicos (Holy Sepulchre, situado en un castillo construido por Enrique VIII, en Reading, y Saint Mary's en Ascot), de ambos fué expulsada. Decían que no mostraba ningún interés en las asignaturas impartidas y hacía contínuamente preguntas del estilo de "¿Quién dijo que dos y dos son cuatro...?"; su escritura era ilegible, aparentemente, hasta que descubrieron que cobraba sentido al verse en un espejo.

Leonora Carrington, ca 1930

Leonora Carrington a lomos de su caballo, Winkie, 1931

1932- Decididos a encontrar la manera de civilizar a su hija, sus padres la enviaron a la Academia de Miss Penrose, un internado en Florencia. Los estudios de arte y los cuadros que descubrió en la Galería de los Ufizzi marcaron toda su vida como pintora. Después le enviaron a París. En un internado duró dos meses y de otro, el estricto colegio de Miss Sampson, se éscapó una noche. Mientras tanto, la madre soñaba con un enlace adecuado para Leonora.
1934- El uno de mayo es presentada en la corte del rey George V, y sus padres ofrecen un baile en su honor en el Ritz. (En la foto: Leonora Carrington y su madre el día de su presentación en la corte). Esta experiencia está reflejada en su historia La debutante.
1936- Decidida a convertirse en artista, pese a lo que se esperaba de ella, Leonora logró convencer a sus padres para que le permitieran asistir a una escuela de pintura. Ingresó en la Academia que Amedée Ozenfant, el pintor futurista, acababa de fundar en Londres. Fué su primera alumna. En esa misma época comenzó a interesarse en la alquimia.
1937- A través de una compañera de clase conoce a Max Ernst, que estaba en Londres con motivo de su exposición en la Mayor Gallery. Leonora se había interesado en el surrealismo tras leer varias publicaciones y visitar la Exposición Internacional Surrealista de Londres.

Ese mismo verano viaja a Cornwall con Ernst, Paul Eluard y Nusch Eluard, Man Ray, Lee Miller y Roland Penrose.

Lee Miller, Ady Fidelin, Nush Eluard y Leonora Carrington, 1937.

Poco después de este viaje, con 19 años, Leonora se fugó a París con Max Ernst y comenzó una relación que duró tres años. Sus padres le repudiaron y Leonora nunca volvió a ver su padre, una separación que le marcó y aparece en algunas de sus obras literarias. Escribe "El pequeño Francis", una historia sobre la relación triangular entre ella, Max Ernst y la esposa de éste, Marie-Berthe, con el inicio de la Guerra Civil española como fondo.

En Paris, Leonora ayuda a Ernst con el diseño de los escenarios para la producción de Ubu Roi de Alfred Jarry.


1938- Ernst y Carrigton se mudan a Saint-Martin-d'Ardèche en el sur de Francia, donde restauraron una casa abandonada y la poblaron de caballos y seres míticos en frescos, esculturas y relieves que cubrían muros enteros. recibían las visitas de Lee Miller, Roland Penrose, Remedios Varo, Leonor Fini y otros.

Leonora Carrington en St. Martin d'Ardèche

Expone con los surrealistas en París y en Amsterdam. Aparece "La casa del miedo" y escribe los relatos que recogerá en "La dama Oval", con ilustraciones de Ernst.
1939- Estalla la guerra y Ernst -de origen alemán- es recluido en calidad de extranjero enemigo en el campo de concentración de L'argentière, en Francia. Carrington se encarga de su liberación, en diciembre.
1940- En mayo, Max Ernst vuelve a ser apresado, esta vez en Les Milles, cerca de Aix en Provence. Tras un intento fallido por obtener su liberación, Leonora sale hacia España. Durante el trayecto sufrió una crisis nerviosa y fué ingresada en un asilo mental en Santander. Más tarde escribió "Memorias de Abajo", un recuerdo autobiográfico de esta penosa experiencia, durante la que fué sometida a un tratamiento excesivo con medicamentos que provocaban fuertes convulsiones. Una primera versión, escrita en inglés, fué rechazada por la editora americana Jannet Flanner y se perdió. La versión que conocemos fué escrita en francés en 1943.

1941- Liberada del asilo y tras pasar por Madrid, viajó a Lisboa. Allí pidió asilo en la embajada Mexicana, donde se encontró con el periodista y diplomático Renato Leduc, diecinueve años mayor que Leonora, con quien se casó para poder viajar a América.

1942- Tras una estancia en Nueva York, donde también se encontraban Max Ernst y su nueva mujer, Peggy Guggenheim, Leonora llegó a Ciudad de México y obtuvo la nacionalidad mexicana, que el país ofrecía a todos los europeos refugiados de la Segunda Guerra Mundial. Se divorció de Leduc en 1943 y comenzó a mantener una estrecha amistad con Remedios Varo y su compañero, el poeta Benjamín Péret, así como con el trío formado por Wolfgang Paalen, su esposa la pintora Alice Rahon y Eva Sulzer. Conoció al psicoanalista y escritor Pierre Mabille, que le animó a escribir "Memorias de Abajo", al director de cine aragonés Luis Buñuel, con quien entabló una buena amistad, y al fotógrafo húngaro Emerico "Chiki" Weisz.

(De izda. a dcha.: Gerardo Lizarraga, Chiki Weisz, José Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo, Günter Gerszo, Benjamin Péret y Miriam Wolf)

1944- Conoce a Edward James, el rico y extravagante inglés, mecenas de los surrealistas, que se convierte en el coleccionista más importante de su obra. James, además, la introduce en el conocimiento del Libro Tibetano de los Muertos.
1946- Se casa con Chiki Weisz. Tienen dos hijos: Gabriel, quien nace ese mismo año, y Pablo, nacido en 1947.

Gabriel, Leonora y Pablo

1948- Primera exposición retrospectiva de La obra de Leonora Carrington en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

1950- Exposición retrospectiva en la Galeria Clardecor, Mexico D.F. Se involucra con los seguidores del movimiento espiritual de Gurdjieff.

1957-Diseña y produce para el escenario una de sus propias obras, Penélope.

1960-1970- "Exposición Retrospectiva de pinturas y tapices de Leonora Carrington" en el Museo Nacional de Arte Moderno, de Ciudad de Mexico (1960). Estudia los escritos de Jung. Diferentes exposiciones y publicaciones.
1963- Es comisionada para pintar un gran mural, El mundo mágico de los mayas, en el que celebra a los mayas de Chiapas, en el Museo de Antropología de la Ciudad de México(1963)
1968- Abandona México con sus hijos como protesta por el salvaje manejo del movimiento estudiantil. Regresa a México, el año siguiente. Durante el periodo 1968-70 realiza frecuentes viajes a Nueva York.
1971- Estudia bajo la guía del lama tibetano -en el exilio en Canadá y Escocia-y permanece como discípula suya.
1972- Participa en la formación del Movimiento feminista de México DF., y diseña el póster Mujeres Conciencia

1985 -Abandona nuevamente México y se establece en Nueva York.
1988-90 Se muda a Chicago. Retrospectivas en EEUU, Tokio (Japón) y México.

1990-Regresa a México.2000-Nombrada Ciudadana de Honor de México D.F. El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) celebra un Coloquio Internacional sobre Leonora Carrington.
2008-Leonora Carrington sigue viviendo y trabajando en Ciudad de México. Gran Exposición de esculturas al aire libre.Enlaces:

Leonora Carrington en la Biblioteca de Mujeres Artistas

Remedios y Compañía: el entorno personal de Remedios Varo

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Anna Klumpke (1856-1942)

Anna Elizabeth Klumpke (1856–1942), pintora especialmente conocida por sus retratos, nació en San Francisco, California (Estados Unidos).

Anna fue la mayor de ocho hermanos, entre los que se cuentan la astrónoma Dorothea Klumpke-Roberts, la violinista Julia Klumpke, y la neuróloga Augusta Déjerine-Klumpke. No cabe duda que sus padres, y en especial su madre, Dorothea Mattilda Tolle, concedieron a sus hijas la educación necesaria para converirse en profesionales cualificadas, en una época en la que el acceso de las mujeres a los estudios oficiales estaba vetado.

A los tres años, Anna sufrió una fractura de fémur tras una caída. A los cinco años se le diagnosticó osteomielitis y artrítis en la rodilla. Intentando una cura, su madre se trasladó con con sus hijas a Alemania, para ser tratada por un prestigioso doctor. Anne no mejoró y quedó coja para siempre.

Cuando Anna tenía quince años, sus padres se divorciaron y ella y sus hermanas (de las que vivían cinco) se mudaron con su madre a vivir en Göttingen. A los diecisiete años la familia se trasladó a Clarens, en Suiza, donde comenzó a tomar clases de arte, en su casa.

En octubre de 1877 se trasladó a Paris con su familia, y en 1883 ingresó en la Academia Julian, una de las pocas escuelas que aceptaban mujeres como alumnas. Fué alumna de Tony Robert-Fleury y Jules Lefebvre, y más tarde de Vuillefroy.

Presentó su primera obra importante en el Salón de París de 1884, donde ganó una medalla. Durante los años siguientes expuso regularmente.

Tras su periodo de aprendizaje, regresó a Estados Unidos y pasó los siguientes años en Boston.

En 1889 regresó a Paris con un propósito: realizar el retrato de Rosa Bonheur.

Desde niña, Anne había tenido una muñeca "Rosa", inspirada en la pintora de animales francesa Rosa Bonheur, que había llegado a ser tan famosa que se hicieron muñecas inspiradas en su imágen.

Fingiendo representar a un marchante de caballos, se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau.

Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras vivieron juntas.

Klumpke fué nombrada heredera universal y supervisó la venta de las obras de Rosa Bonheur en 1900.
Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Fraçais, y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointainebleau.

En 1908 publicó una biografía de Rosa Bonheur, "Sa vie son ouvre", basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. En el libro, que sólo se publicó en inglés en 1998, Anna Klumpke cuenta cómo la conoció, cómo se enamoraron y cómo se convirtió en su retratista oficial y en su compañera.

Tras la muerte de Bonheur, Anna pasó temporadas entre Francia, Boston y San Francisco, donde se instaló definitivamente en los años 30'.

Durante la I Guerra Mundial instaló un hospital para soldados heridos en el Chateau de By.

En 1940, a los 84 años, Anna Klumpke publicó su autobiografía, "Memoirs of an Artist".

Anna Klumpke murió en 1942, a los 86 años, en San Francisco.

(Museo-Estudio de Rosa Bonheur. En el caballete, otro de los tres retratos de Rosa Bonheur pintado por Anna Klumpke)

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ROSA BONHEUR:1822-1899.

    Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (16 de marzo 1822 - 25 de mayo de 1899) llegó a ser una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Su padre era un pintor paisajista de Burdeos, y era hermana del pintor Auguste Bonheur y del escultor Isidore Jules Bonheur. En este ambiente es fácil imaginar que pronto empezó a aprender a pintar en el taller familiar, con su padre, ya que la educación artística estaba vetada a las mujeres.

   En seguida mostró su preferencia por la pintura de animales, influenciada por el pintor inglés Edward Landseer, que se convirtió en su especialidad y le dieron fama y dinero.

(En la imágen: Retrato de Marie-Roselie Bonheur, dite Rose Bonheur. Pintado por el artista Dubufe)

   Estudió la anatomía animal visitando mataderos y haciendo disecciones. Preparaba cientos de bocetos y hacía multitud de estudios detallados antes de comenzar un nuevo cuadro o escultura.

   En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de caballos":

(La feria de caballos. Rose Bonheur. Abajo, detalle en el que se aprecia un supuesto autorretrato de la pintora, que se abría pintado en el personaje con camisa azulada, a caballo, que mira al espectador.)

   El cuadro le dió fama y reconocimiento internacional, y ese mismo año viajó a Escocia, invitada por la reina Victoria, que admiraba sus obras. En escocia hizo un gran número de bocetos que le sirvieron para realizar, después, alguno de los cuadros que seguirían dandole fama, como A Scottish Raid, terminado en 1860, y Highland Shepherd (en la imágen). Estas obras, que muestran un estilo de vida que había desaparecido un siglo antes, gustaba a la sensibilidad victoriana y se hicieron muy populares en Inglaterra, aunque no tanto en Francia.

Considerada, ya en su época, como la mujer artista más famosa, era representada por los galeristas más importantes, en especial por Ernest Gambart (1814-1902), que obtuvo los derechos de reproducción y venta de grabados realizados a partir de sus obras, en su galería londinense de Pall MAll.

   Fué la primera mujer que recibió la Legión de Honor, en 1865, que le fué impuesta por su amiga, la Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga el estado francés.

Pero si hoy en día es más tenida en cuenta, y a menudo es considerada como una protofeminista, es por su hábito de vestir ropa masculina:
"Me dí cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre al prefecto de policía. Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca. "

(TRANSCRIPCIÓN)

Permission de travestissement accordée à Rosa Bonheur
Paris, le 12 Mai 185- Nous. Préfet de Police. [...] Autorisons la demoiselle Rosa Bonheur demeurant à Paris, rue ... n° 320 à s'habiller en homme ; pour raison de santé sans qu'elle puisse, sous ce travestissement, paraître aux Spectacles. Bals et autres lieux de réunion ouverts au public. la présente autorisation n'est valable que six mois, à compter de ce jour.

   Durante cincuenta años vivió con su compañera Nathalie Micas en su propiedad, el Chateau de By, cerca de Fointainebleau.

Tras la muerte de Micas se unió a la pintora americana Anna Elisabeth Klumpke (1856–1942), que realizó uno de los retratos más apreciados de Rose Bonheur.

Murió a los 77 años, el 25 de mayo de 1899.

En 1900 se realizó una gran subasta con las obras de Rose Bonheur, supervisada por Anna E. Klumpke, que había sido nombrada heredera universal.

Klumpke creó el Premio Rosa Bonheur en la Société des Artistes Français, y le dedicó un museo en el Chateau de By.

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